La Musique Baroque

Musique de la période 1600 à 1750

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Jean-Michel
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La Musique Baroque

Message par Jean-Michel » dimanche 5 mars 2006 10:32

Salut à tous,

Aujourd’hui, une fois n’est pas coutume, je voudrais vous parler, non pas d’un artiste, d’un interprète ou d’un compositeur, mais d’un genre musical majeur : La Musique Baroque.


Les caractères de la musique baroque

Le baroque couvre une grande période de l'histoire de la musique, s'étendant d'environ 1600 aux années 1750-1760, de façon plus ou moins uniforme selon les pays considérés. De façon nécessairement schématique, l'esthétique et l'inspiration baroques succèdent à celles de la Renaissance et précèdent celles du classicisme.

Le mot baroque vient vraisemblablement du portugais barroco qui désigne des perles de forme irrégulière. On l'a inventé par dérision pour qualifier, au début, l'architecture issue de la Contre-Réforme en Italie. Ce n'est que plus tard qu'il a qualifié la musique qui lui était contemporaine. Toute connotation péjorative a disparu depuis longtemps et le terme tend davantage à désigner la période de composition que le caractère de l'œuvre.

L'ère baroque débute en Italie avec Claudio Monteverdi (1567-1643) et se termine avec les contemporains de Jean-Sébastien Bach et Georg Friedrich Haendel : Jean-Philippe Rameau et Georg Philipp Telemann, de par leur grande longévité, composent leurs dernières œuvres dans les années 1760. Mais bien avant cette décennie, les compositeurs plus jeunes se sont tournés vers un nouveau style.


Un groupe de musiciens vers 1635

C'est au cours de la période baroque que la musique instrumentale s'est émancipée et naquit véritablement : elle ne se contente plus d'accompagner ou de compléter une polyphonie essentiellement vocale ; si elle emprunte encore, au début du XVIIe siècle, ses formes à la musique vocale, elle ne tarde pas à élaborer ses propres structures, adaptées à leur possibilités techniques et expressives.

Les deux pôles de la musique baroque sont l'Italie et la France dont les styles sont fortement opposés malgré des influences réciproques. Cette opposition était telle que beaucoup de musiciens de l'une des écoles refusaient carrément de jouer des œuvres provenant de l'autre. Le style italien diffusa largement hors d'Italie, et la France est sans doute le pays qui résista le plus à cette domination, sous l'influence de Jean-Baptiste Lully (italien naturalisé français). D'autres foyers existent et participent au mouvement en y apportant leurs spécificités : les Pays-Bas et l'Allemagne du Nord (le stylus fantasticus, le choral), l'Angleterre (l'art de la variation), un peu l'Espagne. Une synthèse apparaît dans la musique allemande, qui emprunte à ces différents courants et culmine dans l'œuvre de Jean-Sébastien Bach. Elle existe aussi, de façon beaucoup moins accomplie, chez quelques autres dont Johann Jakob Froberger (musicien européen par excellence), Georg Muffat, savoyard devenu autrichien après avoir étudié en France et en Italie, François Couperin (les Goûts Réunis). Quant à Haendel, son œuvre relève plus de l'assimilation personnelle de chaque style que d'une véritable synthèse : il sait composer comme un Allemand du Nord, comme un Italien, comme un Français et crée même le nouveau genre de l'oratorio en anglais.

Le style baroque se caractérise notamment par l'importance du contrepoint puis par une harmonie qui s'enrichit progressivement, par une expressivité accrue, par l'importance donnée aux ornements, par la division fréquente de l'orchestre avec basse continue, qui est nommé ripieno et un groupe de solistes qui est le concertino et par la technique de la basse continue basse chiffrée comme accompagnement de sonates. C'est un style savant et sophistiqué.

Le baroque possède aussi beaucoup de contrastes : les oppositions notes tenues/notes courtes, graves/aigus, sombre/clair (un accord majeur à la fin d'une pièce mineure)... ou encore l'apparition du concerto (de l'italien concertar « dialoguer ») qui met en opposition un soliste au reste de l'orchestre (le tutti), l'opposition entre pièces d'invention (prélude, toccata, fantaisie) et pièces construites (fugue) ne sont que des exemples.


Le luth jouit d'une grande vogue au XVIIe

Le classicisme, plus tard, aura pour ambition de « revenir à la nature ». La confrontation de ces deux idéaux trouve une de ses illustrations les plus célèbres dans la véhémente « Guerre des Bouffons » qui confronte, en France vers 1740 la tragédie lyrique à la française et l'opéra-bouffe italien (Rameau contre Rousseau).

De nombreuses formes musicales sont créées pendant cette période d'un siècle et demi : certaines y atteignent leur apogée (par exemple : la suite, le concerto grosso ...) pour ensuite tomber dans l'oubli, d'autres connaîtront une fortune qui durera bien au-delà de la fin du baroque : l'opéra, la sonate (qui engendrera la symphonie), le concerto de soliste.

La période baroque est aussi un moment important pour ce qui concerne l'élaboration de la théorie musicale. On y passe progressivement des tonalités de la polyphonie (tons ecclésiastiques du plain-chant) à la gamme tempérée et aux deux modes majeur et mineur légués à la période classique. On aura entre-temps inventé et expérimenté de nombreux tempéraments et posé les bases de l'harmonie classique. Des instruments s'effacent, d'autres apparaissent ou prennent leur forme définitive, pendant que la facture fait de nombreux progrès et que les techniques d'exécution se stabilisent et se codifient. Il s'agit donc, à tous égards d'une période très féconde.



Redécouverte des œuvres baroques

Interprétation du xixe siècle

Beaucoup d'œuvres de cette époque ont connu une longue éclipse de la fin du XVIIIe jusqu'au milieu du xxe siècle. Bach lui-même a été quasiment oublié de sa mort jusqu'en 1829, qui voit le retour (initié par Félix Mendelssohn-Bartholdy) de la Passion selon Saint Matthieu dans le répertoire, après un siècle de délaissement. À la suite de cet événement, l'intérêt pour les musiques du passé prend de l'ampleur, mais reste cantonné à quelques grands noms. On joue Bach, Couperin et Scarlatti au piano, et les concertos brandebourgeois avec des orchestres formés à l'école de Beethoven et de ses successeurs. De nombreux compositeurs restent complètement oubliés ; d'autres, les plus grands, gardent leur prestige, mais leur œuvre semble ne plus devoir jamais revenir au répertoire. Cependant, certains musicologues se lancent dans la compilation et l'édition critique des œuvres de grands compositeurs tels Bach, Haendel, Couperin... Les instruments ont évolué, et certains ont disparu ; le clavecin ressuscité au début du xxe siècle sous l'impulsion notoire de Wanda Landowska ne ressemble plus guère à celui des grands facteurs parisiens du xviiie siècle ; les violes ont cédé la place depuis longtemps à la famille du violon, etc.


Renouveau de l'interprétation au xxe siècle

Au début du xxe siècle, seuls quelques musiciens passionnés s'efforcent de retrouver les sons du passé. Sous l'impulsion des facteurs d'instruments qui leur fabriquent des copies d'anciens, ces musiciens étudient les traités relatifs à l'exécution laissés par les théoriciens, de façon très dispersée en général.

Cette avant-garde est inaugurée d'abord en Grande Bretagne par le violoniste et facteur d'instruments français Arnold Dolmetsch (1858-1940), en France par Henri Casadeus (viole d'amour) et Edouard Nanny (contrebasse), qui en 1901 sont les co-créateurs la « Société de concerts des Instruments anciens », sous la présidence du compositeur Camille Saint-Saëns, qui a pour objectif de faire revivre la musique du XVIIe et xviiie siècle sur les instruments d'époque. Ce groupe composé de jeunes premiers prix du Conservatoire et de solistes des orchestres parisiens initie une recherche intensive dans le domaine de la musique ancienne.

En Allemagne, le violoncelliste Christian Döbereiner (1874-1961), s'occupait de remettre à l'honneur les violes . Il fonda en 1905 la Vereinigung für Alte Musik. Le mouvement des « violistes » des années 1920 constitua une forme de protestation contre « l'establishment » artistique musical.

À partir de 1927, à Bâle, le musicien August Wenzinger (qui après la Seconde Guerre mondiale dirigerait la célèbre Schola cantorum Basiliensis), expérimentait le jeu sur instruments anciens avec d'autres musiciens passionnés, sous le patronat de l'industriel et violoniste amateur Hans Hoesch.

Après 1945, de jeunes musiciens poursuivent sur cette voie : à Vienne un groupe se constitue autour du violoncelliste Nikolaus Harnoncourt et du claveciniste néerlandais Gustav Leonhardt, au début des années 1950, avec notamment la future épouse du premier et Eduard Melkus. De retour aux Pays-Bas, Leonhardt donnera l'impulsion à une foisonnante école néerlandaise. Le mouvement est lancé.

Il convient encore de mentionner Alfred Deller, né en 1912. Même s'il ne fut jamais vraiment intéressé par le jeu sur instruments anciens, il a marqué profondément les pionniers des années 1950. Il fut en effet le premier chanteur du xxe siècle à avoir fait carrière comme soliste alto, après la Seconde Guerre mondiale. Alors, il était devenu depuis longtemps inconcevable qu'un homme pût chanter des airs aigus. L'époque baroque, elle, raffolait des voix de garçons et de falsettistes, et surtout de celle des castrats (auxquels dans les opéras étaient souvent dévolus les rôles héroïques (Hercule, César…). Le timbre singulier d'Alfred Deller, proprement unique, inouï et indéfinissable, d'une grande pureté et asexué, comme surhumain, fit scandale. Mais il donna aussi naissance à un engouement pour la musique vocale de l'époque baroque. Qui plus est, la grande sensibilité d'interprète d'Alfred Deller a inspiré durablement Gustav Leonhardt.

Au cours des années 1970, des chefs tels Jean-Claude Malgoire, John Eliot Gardiner ou Sigiswald Kuijken, Trevor Pinnock ou Reinhard Goebel poursuivent le « mouvement », qui encore à l'époque est le plus souvent raillé par les musiciens établis. L'enregistrement intégral des cantates sacrées de Jean-Sébastien Bach entrepris conjointement par Nikolaus Harnoncourt et Gustav Leonhardt en 1971 deviendra le cheval de bataille de ceux que la critique méprisante ne tardera pas à surnommer « les baroqueux ». Instruments anciens, chœurs et solistes garçons, airs d'alto confiés à un homme… Beaucoup s'insurgent et crient au scandale.

Les années 1980 voient peu à peu s'imposer les interprètes évoqués et naître de nouveaux talents comme : William Christie, Philippe Herreweghe, René Jacobs, Gérard Lesne, Jordi Savall, Ton Koopman… Dans les années 1990, le mouvement de la musique ancienne est définitivement et sans conteste ancré dans la pratique musicale grâce à une nouvelle génération, représentée par Marc Minkowski, Hervé Niquet, Christophe Rousset, Pappas Iakovos et beaucoup d'autres.

De grandes œuvres du passé, oubliées depuis des siècles, sont exhumées et jouées, au concert ou sur la scène, avec les instruments et les formations souvent réduites de l'époque baroque.
Une œuvre emblématique de cette renaissance est la dernière tragédie lyrique de Jean-Philippe Rameau, Les Boréades dont la première représentation a eu lieu à Aix-en-Provence… en 1982 : les répétitions avaient été interrompues par la mort du musicien en 1764, et jamais reprises.



Les genres

Musique instrumentale

La leçon de musique
• le choral
• le concerto grosso
• le concerto
• la toccata
• la fugue
• la sinfonia
• la sonate
• la suite de danses
• le tombeau

Musique lyrique
• la cantate profane
• l'opéra
• la tragédie lyrique
• l'opéra-ballet

Musique religieuse
• l'anthem
• la cantate sacrée
• la messe pour orgue
• la messe pour chœur
• le motet
• l'oratorio
• la passion


Les instruments spécifiques

La famille des violes de gambe

Quelques instruments sont spécifiquement liés à cette époque où ils atteignent un apogée (de la facture comme de la littérature) avant de connaître le déclin voire l'oubli complet du milieu du xviiie siècle jusqu'au début du xxe siècle ou plus tard. La tradition de facture s'étant perdue entre temps a pu être restituée, au moins partiellement par l'analyse des instruments anciens qui subsistent, et l'étude des traités lorsqu'ils existent.
• les clavecins.
• le luth et le théorbe
• l'orgue - est resté au xixe siècle l'instrument privilégié de la liturgie mais n'intéresse plus guère les grands compositeurs jusqu'à César Franck. La facture de l'orgue à transmission mécanique atteint son apogée, en France et dans les pays germaniques pendant les XVIIe et XVIIIe siècle.
• les violes- ont connu leurs heures de gloire pendant trois siècles, de 1480 à 1780.
• le violon baroque - à partir du xixe siècle les violons ont subi des changements de caractère esthétique et sonore.



Quelques compositeurs importants

En Italie
• Tomaso Albinoni
• Arcangelo Corelli
• Girolamo Frescobaldi
• Francesco Geminiani
• Pietro Locatelli
• Antonio Vivaldi
• Claudio Monteverdi
• Alessandro Scarlatti
• Domenico Scarlatti (compose l'essentiel de son œuvre en Espagne)
• Giuseppe Tartini
• Giuseppe Torelli

En France
• Louis Couperin
• Jean-Baptiste Lully
• Marc-Antoine Charpentier
• Michel-Richard Delalande
• Nicolas Bernier
• François Couperin
• Louis Marchand
• Nicolas de Grigny
• Jean-Philippe Rameau
• Marin Marais

En Allemagne
• Jean-Sébastien Bach
• Heinrich Ignaz Franz Biber
• Dietrich Buxtehude
• Johann Jakob Froberger
• Johann Pachelbel
• Heinrich Schütz
• Georg Philipp Telemann

En Angleterre
• Henry Purcell
• Georg Friedrich Haendel (allemand d'origine)
• John Blow (professeur de Purcell)

Aux Pays-Bas (espagnols, puis autichiens)
• Henry Du Mont
• Joseph-Hector Fiocco
• Pietro Antonio Fiocco
• Jan Pieterszoon Sweelinck



Quelques chefs d'œuvre marquants

• Claudio Monteverdi : Orfeo
• Jean-Baptiste Lully : Armide
• Henry Purcell : Dido and Aeneas
• Arcangelo Corelli : Sonates pour violon Opus 5, Concerti Grossi Opus 6
• François Couperin : l'œuvre de clavecin, 2 suites pour viole
• Antonio Vivaldi : les Quatre Saisons
• Georg Friedrich Haendel : le Messie, Royal fireworks music, Dixit Dominus
• Jean-Sébastien Bach : Le Clavecin bien tempéré, Variations Goldberg,Passion selon Saint Matthieu, Messe en si mineur, Concertos brandebourgeois, 4 suites pour orchestre, L'Offrande musicale, L'Art de la Fugue.
• Jean-Philippe Rameau : Hippolyte et Aricie, Les Indes galantes
• Domenico Scarlatti : l'œuvre de clavecin



Bibliographie

• Jean-François Paillard, La musique française classique, PUF (Colection Que sais-je ?), Paris, 1960 : une bonne synthèse de la musique française de la période dite « baroque » rédigée à une époque ou ce terme faisait débat.
• Philippe Beaussant, Vous avez dit baroque ?, Actes Sud (Collection Babel), 1994. ISBN 2-7427-0123-0.
• Marcelle Benoît (dir.), Dictionnaire de la musique en France aux XVIIe et xviiie siècles, Paris, Fayard, 1992.


Source : http://fr.wikipedia.org/wiki/Musique_baroque
:wink:

Que l'émotion soit avec nous.

Amitiés,

Jean-Michel

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Michel68
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Message par Michel68 » jeudi 6 avril 2006 08:20

Pour une première approche je pense qu'il serait judicieux de regarder du coté du compositeur de l'époque, j'ai nommé, Jean-Baptiste LULLY, et notamment les "Grands Motets"
Petit rappel:
Compositeur des ballets de Louis XIV et véritable créateur de l'opéra français, Jean-Baptiste Lully ne se serait sans doute pas autant consacré à la composition de musique religieuse si ses ambitions et très officielles charges de Surintendant de la Musique du Roi ne l'avaient engagé à composer des motets qui figurent parmi les premiers et les plus grandioses modèles de ce genre musical emblématique du Grand Siècle.
Prévues en marge service divin quotidien, exécutées lors de circonstances particulères telles que les traités de paix (Jubilate Deo inédit, Quare fremuerunt gentes) ou pompes funèbres (Miserere mei Deus), ces vastes fresques sonores évoquent tout l'apparat des grandes cérémonies religieuses de la Cour de France, tout en peignant les complexes "passions de l'âme" chères à la sensibilité baroque. Dans ce "théâtre sacré" se confondent la foi en Dieu et une totale allégeance à son représentant sur terre : le Roi.
"Das Dritte Ohr" - Nagra, Transrotor Blue Ray / ZET 1 & BW 803D

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krisprolls
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Message par krisprolls » vendredi 7 juillet 2006 22:31

Tiens... c'est marrant que tu cites Iakovos Pappas !
J'ai bossé avec lui il y a quelques temps.

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